Daftar Film Terbaik Di Tahun 2021

Bioskop dibuka kembali, festival film kembali di kalender, dan studio gelisah masih mengubah tanggal rilis untuk semua blockbuster yang bertemu tahun lalu. Dengan kata lain: Film kembali, sayang! Padahal, tentu saja, mereka tidak pernah benar-benar pergi. Bahkan pada pertengahan tahun 2021, streaming dan rilis sesuai permintaan telah menawarkan banyak harta karun yang layak untuk dicari, dari film dokumenter tentang anjing liar di jalanan Istanbul hingga komedi Kristen Wiig mengigau tentang dua wanita Midwestern menemukan diri mereka sendiri (dan berhenti seorang archvillain) saat berlibur di Florida. Berikut adalah film-film terbaik yang pernah dilihat Vulture dan, dalam banyak kasus, diulas sepanjang tahun ini, menurut kritikus Bilge Ebiri dan Alison Willmore.

Saint Maud

Maud, perawat rumah sakit yang dimainkan dengan keyakinan listrik oleh Morfydd Clark, entah dirasuki oleh Roh Kudus atau sesuatu yang lebih gelap. Apa yang begitu licik tentang debut penulis-sutradara Rose Glass adalah betapa kecilnya hal itu, karena semangat religius Maud yang baru ditemukan memiliki intensitas yang menakutkan. Setelah menemukan kembali dirinya setelah insiden kerja yang traumatis sebagai seorang petapa gembira yang percaya bahwa Tuhan memiliki tujuan khusus untuknya, Maud berbicara kepada klien terbarunya, seorang koreografer dengan limfoma terminal yang diperankan oleh Jennifer Ehle, yakin bahwa dia seharusnya menyelamatkan yang sakit hati. Film tersebut juga di sponsori . Bencana tampaknya tak terhindarkan, tetapi apa yang membuat Saint Maud sangat tegang adalah bahwa tidak mungkin untuk menebak bentuk yang akan datang, terutama saat kita tenggelam dalam cara Maud yang bengkok dan berhalusinasi dalam melihat dunia.

Saya Menyalahkan Masyarakat


Ketika teman Anda memberi tahu Anda bahwa Anda memiliki bakat menjadi pembunuh yang baik, apakah Anda menganggapnya sebagai pujian? Pembuat film Gillian Wallace Horvat menjalankan dengan ide itu dalam debut fiturnya, sebuah komedi kelam yang pahit di mana ia membintangi sebagai versi dirinya yang lucu yang menemukan bahwa membunuh mungkin sebenarnya lebih memuaskan secara kreatif daripada menggelepar untuk mendapatkan pembiayaan untuk sebuah film. I Blame Society adalah sindiran kasar tentang menavigasi industri yang meniru semua hal yang benar tentang menginginkan cerita wanita, tetapi tampaknya tidak banyak berubah sama sekali dalam hal siapa yang memiliki kekuatan dan siapa yang dapat menentukan mana dari cerita-cerita itu. adalah jenis yang tepat — kesadaran yang cukup untuk membuat siapa pun tersentak.—AW

Penggalian

The Dig karya Simon Stone dibuka sekitar tahun 1930-an dengan ekskavator sederhana dan arkeolog amatir Basil Brown (Ralph Fiennes) dipanggil ke rumah megah Suffolk dari janda kaya Edith Pretty (Carey Mulligan) untuk menggali serangkaian gundukan besar dan misterius di propertinya . Tak lama kemudian, dia menemukan sesuatu yang jauh lebih agung daripada yang dibayangkan sebelumnya – seluruh kapal yang terkubur di bawah tanah, makam raja Anglo-Saxon kuno dan bukti bahwa orang-orang yang mendiami tanah ini lebih dari sekadar Viking. Saat penggalian berlanjut dan karakter kita belajar lebih banyak tentang masa lalu dan orang-orang yang datang sebelum mereka, gerakan kecil dari kehidupan mereka sendiri mulai terasa tidak penting dan seismik. Untuk menyampaikan ide-ide yang tampaknya paradoks ini, Stone dan penulis skenario Moira Buffini mengadopsi gaya elips dan melirik yang memperlakukan masa kini seolah-olah sudah menjadi kenangan. Adegan menjalin masuk dan keluar dari satu sama lain. Percakapan terjadi tanpa ada yang menggerakkan mulut mereka, suara dari satu momen intim mengganggu gambar momen intim lainnya. Waktu melompat mundur dan maju. Kematian diselingi dengan gairah, saat tragedi dan kemuliaan terjerat di layar. Seolah-olah penggalian itu sendiri memancarkan pemahaman baru tentang keberadaan, mengungkapkan busur sejarah yang luas dan lengkungan cinta, kesetiaan, dan kehilangan yang berlimpah di dalamnya.

Acasa, Rumahku

Awalnya dimaksudkan sebagai situs reservoir tetapi tidak pernah benar-benar terisi, Taman Alam Vacaresti telah berdiri di pusat ibukota Rumania Bukares selama beberapa dekade, diabaikan oleh birokrat dan perlahan-lahan muncul sebagai rawa yang kaya dengan keanekaragaman hayati yang mengejutkan, hutan belantara kota terbesar di Eropa. Itu juga merupakan rumah tidak resmi dari seorang pria bernama Gica Enache, yang bersama istri dan sembilan anaknya — belum lagi beberapa merpati, ayam, anjing, kucing, dan babi — telah tinggal di sini selama hampir 20 tahun, jauh dari dunia di semacam kehidupan yang miskin dan indah di luar jaringan. Direkam selama tiga tahun, film Radu Ciorniciuc mengikuti Gica dan keluarganya saat keberadaan mereka terganggu oleh tuntutan dunia modern yang terus meningkat. Tapi Acasa bukanlah film tentang surga yang hilang. Ciorniciuc dengan mulus memadukan keintiman dan lirik dengan kejujuran yang jernih tentang apa yang dia gambarkan. Film ini datang dalam waktu kurang dari satu setengah jam, tetapi kita melihat Vacaresti berubah dan keluarga Enache dikirim ke pusaran eksistensial. Berkali-kali dalam pastoral yang beracun ini, mimpi yang hilang tentang idilis berbenturan dengan cara kerja kenyataan yang menyedihkan.

Barb and Star Pergi ke Vista Del Mar

Kristen Wiig dan Annie Mumolo berperan sebagai sepasang sahabat barat tengah yang menuju ke Florida yang cerah dan menemukan diri mereka dalam banyak masalah. Ini mungkin terlihat di permukaannya seperti komedi lucu dan menarik di mana Wiig telah membangun banyak kesuksesannya. Tapi jangan salah tentang itu — ini adalah sinema aneh sepanjang jalan, diisi dengan non sequiturs, cutaways miring, dan tingkat komitmen yang mengesankan untuk sedikit dari bintang-bintangnya. Menyampaikan dialog mereka dengan brio kalimat satu sama lain yang lengkap, Wiig dan Mumolo mengeluarkan semua energi menawan dari duo yang telah membangun karakter ini sepanjang hidup. Disebutkan secara khusus harus ditujukan kepada antek jahat Jamie Dornan yang berkonflik dan mabuk cinta Edgar, yang mendapatkan salah satu nomor musik hebat bioskop, melayang, membelah, melompat, dan berputar-putar di pantai, menyanyikan baris seperti “Aku akan memanjat pohon palem / Suka seekor kucing di atas pohon palem / Siapa yang memutuskan untuk memanjat pohon palem” dan “Camar di atas ban, dapatkah kamu mendengar doaku?”—BE

Dunia yang Akan Datang

Pertama kali Abigail (Katherine Waterston) mencium Tallie (Vanessa Kirby), dia berseru, dengan keheranan seseorang yang alam semestanya baru saja miring pada porosnya, “Kamu berbau seperti biskuit.” Film Mona Fastvold adalah yang terbaru dalam apa yang menjadi tren romansa periode lesbian, tetapi unik karena berlatar tahun 1800-an di alam liar negara bagian New York, di mana Abigail dan Tallie secara tidak bahagia menikah dengan petani tetangga — Dyer yang pendiam (Casey Affleck ) dan Finney yang mengendalikan (Christopher Abbott), masing-masing. Cara hidup mereka sulit, dengan para wanita yang memiliki sedikit kebebasan atau kelegaan dari isolasi, dan Finney, khususnya, menjadi semakin kesal dengan kurangnya minat Tallie pada apa yang dia yakini sebagai tugas istri. Tapi persahabatan dan kemudian cinta yang muncul antara Abigail dan Tallie digambarkan sebagai kesenangan di dunia yang hampir seluruhnya tanpa emosi seperti itu, sesuatu yang harus dipegang dengan rakus bahkan ketika masa depan apa pun yang ada sangat tidak pasti.—A.W.

Sebuah Kesalahan dalam Matriks

Eksplorasi dokumenter teori simulasi Rodney Ascher diisi dengan ide dan cerita dan dibangun menuju jenis kesimpulan emosional yang tidak diharapkan dari film yang begitu tenggelam dalam pemikiran abstrak. Ini juga benar-benar menyeramkan: Ascher menyusun perjalanannya di seputar cuplikan kuliah 1977 oleh penulis fiksi ilmiah visioner dan paranoiac legendaris Philip K. Dick, yang menyatakan kepada audiens di Metz, Prancis, bahwa kita hidup dalam realitas yang diprogram komputer , satu dari banyak. Dick terlihat dan merasa seperti pemimpin sekte, yakin akan kegilaannya. Secara signifikan kurang mengintimidasi, subjek wawancara Ascher lainnya (termasuk seniman, ilmuwan, dan peneliti) sangat cerdas, pandai berbicara, dan menghibur. Godaan besar untuk duduk di sana dan menyodok apa yang disebut bukti mereka, tetapi tenor film ini bukanlah keraguan atau ejekan. Sebagian besar, cerita orang-orang ini tidak terlalu aneh atau tidak nyata; mereka bersifat universal dan dapat dihubungkan. Pada akhirnya, A Glitch in the Matrix menjadi film bukan tentang apakah kita hidup dalam simulasi, tetapi tentang banyak alasan yang dapat dimengerti mengapa seseorang berpikir demikian. Akibatnya, itu berakhir tentang misteri pengalaman manusia.—B.E. (Tersedia untuk disewa di Amazon, YouTube, Google Play, dan Vudu.)

Zoe saya

Mungkin diperlukan ketabahan emosional untuk melewati paruh pertama drama orang tua Julie Delpy yang menghancurkan. Menyaksikan ibu tunggal Delpy mencurahkan kasih sayang dan perhatian pada putrinya yang masih kecil, selalu menjaga keselamatan anak, sulit untuk tidak merasakan bahwa sesuatu yang benar-benar mengerikan akan terjadi. Dan bersiaplah – memang. Tapi ketahui juga ini: Film ini juga menampilkan Daniel Brühl, dan begitu dia muncul, itu menjadi lebih gila dan lebih menghibur. Zoe saya adalah gambaran yang aneh dan mengharukan tentang bagaimana kita memproses kesedihan – atau, dalam beberapa kasus, gagal – tetapi ini juga merupakan eksplorasi yang kuat dan kompleks dari etika ilmiah, emosional, dan keluarga. Dan itu berakhir pada salah satu gambar yang paling meresahkan dalam ingatan baru-baru ini.—B.E.
(Saat ini tidak tersedia untuk streaming.)

Review Film Paling Horor Di Tahun 2020

Film Paling Horror Tahun 2020

Dari cerita horor yang mendalam hingga drama kehidupan nyata yang menakutkan karena alasan lain, 2020 telah memberi kita cukup banyak cerita menakutkan di luar siklus berita harian.

Untuk sebagian besar dunia, 2020 telah mewujudkan ciri-ciri yang tepat dari film horor yang dibuat dengan baik: memutar, tanpa kompromi, dan sesuatu yang tidak dilihat siapa pun. Jika tidak ada yang lain, sifat meresahkan tahun yang telah tertatih-tatih oleh pandemi global dan siklus pemilihan yang memecah belah (di antara liku-liku menakutkan lainnya) adalah pengingat bahwa kelangkaan datang dalam berbagai bentuk, dan formula horor tradisional yang dirayakan banyak dari kita. tentang Halloween hanyalah salah satu bagian dari persamaan. Banyak dari film yang dirilis tahun ini menakutkan dengan cara yang tidak terduga, baik karena mereka memanfaatkan kecemasan yang tepat atau menggambarkan sifat teror yang tepat di masa-masa yang tidak pasti ini.

“Antebellum”

Antebellum

Debut fitur Gerard Bush dan Christopher Renz mungkin kurang halus, tetapi sering kali menebusnya dengan teror mengerikan yang menunjukkan bahwa semua yang ada di layar sangat nyata. Film yang dibintangi Janelle Monae dibangun di atas cerita yang relatif sederhana, yang sebagian dikaburkan oleh penceritaan yang dipotong-potong (setelah Anda melihat “Antebellum,” relatif mudah untuk mengatur ulang potongan-potongan tersebut menjadi satu garis waktu yang koheren, meskipun film itu sendiri tidak bantuan semacam itu) dan beberapa urutan mengerikan yang membuat penonton dan karakter Monae melakukan putaran besar. Pembuatan film tersebut adalah salah satu ide dari situs http://maxbet.website/.

Liku-liku paling baik dibiarkan ditemukan dalam kerangka itu, tetapi cukup untuk mengatakan, film mengikuti Monae sebagai dua karakter (mungkin …?), Salah satunya adalah seorang wanita yang diperbudak di Selatan yang dalam, dan yang lainnya seorang pemberontak modern dengan karir yang sukses dan keluarga yang luar biasa. Bagaimana kedua sisi dari peran yang sama ini berpotongan adalah trik besar film, dan juga yang membuat film ini meresahkan secara keseluruhan. Masa lalu, tampaknya, tidak pernah terlalu jauh, sebuah pelajaran yang harus dipelajari Veronica dari Monae dalam istilah yang paling literal. Meskipun itu mungkin instrumen tematik yang tumpul, Bush, Renz, dan bintang-bintang mereka tidak pernah gentar pada konsep tersebut; ketika mereka berada jauh di dalam dunia di mana perbudakan bukan hanya kenyataan, tapi yang terpilih, kengeriannya mendalam.

“The Assistant”

The Assistant
Fitur naratif pertama Kitty Green penuh dengan semua detail dokumenternya, dan didukung oleh pengetahuan yang dibagikan oleh audiensnya bahwa meskipun apa yang mereka tonton di layar bukanlah kisah nyata, namun paralel di kehidupan nyata tidak salah lagi. Pemenang Emmy baru-baru ini Julia Garner berperan sebagai Jane, asisten paling junior dari seorang eksekutif film yang berpengaruh (tidak ada yang pernah menyebut nama “Harvey Weinstein”, tetapi tujuannya jelas) terjebak dalam lingkungan kerja yang semakin tidak baik.

Green dan Garner membuai audiens mereka ke dalam rutinitas sehari-hari saat Jane menjalani hari yang tampaknya biasa di pekerjaan barunya, meskipun segera menjadi jelas bahwa ada sesuatu yang sangat salah. Bukan hanya semua orang memperlakukannya seolah-olah dia tidak ada (meskipun itu benar) atau bahwa dua asisten senior yang mengaku berada di sisinya tidak, atau bahkan ada aliran wanita muda yang cantik. terus berparade di kantor. Sepertinya tidak ada orang lain yang peduli. Ketika Jane (dan penonton) mulai menyadari sifat sebenarnya dari posisinya dan profesinya, dia mencoba untuk terlibat dalam kudeta yang paling tenang. Hasilnya adalah wahyu kehidupan nyata yang mengerikan.

“Bad Hair”

Bad Hair

Tindak lanjut “Orang Kulit Putih yang Terhormat” Justin Simien tidak selalu bertambah, tetapi ada cukup banyak perubahan nada suara petualangan dan implikasi satir yang suram untuk membuat perjalanan aneh itu berharga. Penderitaan perempuan kulit hitam dan rambut mereka telah melahirkan investigasi sinematik yang cukup untuk menghasilkan subgenre-nya sendiri, dari dokumenter cerdik Chris Rock 2009 “Good Hair” hingga animasi pendek pemenang Oscar 2020, “Hair Love”. Film B supernatural tahun 80-an Simien yang dibumbui berkisar pada tenunan setan dan asisten eksekutif muda yang malang (Elle Lorraine) yang dirasuki olehnya, tetapi itu benar-benar satire perusahaan yang berpikiran tinggi dengan banyak hal di pikirannya – dari seksisme musik industri video hingga momok perbudakan yang membayangi budaya kerja modern.

Bergulir dengan liku-liku yang tidak biasa dan penghormatan Brian De Palma yang penuh gairah dari Simien membawa film itu seiring dengan agenda mengerikan tenun yang mengambil alih kehidupan wanita muda yang malang itu. Walaupun premis itu terdengar menggelikan, “Bad Hair” pada akhirnya meninggalkan kesombongan dan tuduhan konyolnya hingga akhir yang mengganggu yang menunjukkan penderitaan perempuan kulit hitam – dan Blackness dalam budaya populer – terus menghadapi jenis penindasan suram yang hanya sedikit dipahami dengan baik untuk meluruskan. Cukup wahyu untuk membuat perjalanan aneh itu berharga.

“Black Box”

Black Box

“Black Box” memiliki sentuhan yang sangat bagus sehingga menyelamatkan film B murahan yang mengarah ke sana. Debut yang diproduksi oleh Blumhouse dari sutradara Emmanuel Osei-Kuffour ini memadukan ketidaknyamanan psikologis dari penderitaan amnesia dengan ocehan seorang ilmuwan gila, dan premis lengkapnya menunjukkan perkawinan cerdas antara “Total Recall” dan “Get Out.” Itu tidak memiliki kegilaan yang diilhami dari yang pertama dan komentar sosial yang berapi-api dari yang terakhir, tetapi Osei-Kuffour (yang ikut menulis film dengan Stephen Herman) telah membangun sebuah film thriller lo-fi yang penuh teka-teki dengan permainan pikiran yang cukup rumit untuk membuat menakutkan perjalanan yang bermanfaat.

Nolan (Mamoudou Athie) selamat dari kecelakaan mobil yang menewaskan istrinya dan meninggalkannya dalam keadaan kebingungan yang terus-menerus, terus-menerus melupakan detail tentang kehidupan sehari-harinya saat putrinya yang masih kecil Ava (Amanda Christine) melakukan yang terbaik untuk memberinya pengingat untuk melewatinya hari ini. Nolan terus mengalami tanda-tanda aneh bahwa dia masih bukan dirinya sendiri, tidak lebih mengejutkan dari sebuah lubang di dinding yang menunjukkan bahwa dia rentan terhadap pingsan dan amukan spiral. Akhirnya, dia beralih ke ilmuwan otak eksperimental (Phylicia Rashad yang sangat menyenangkan) untuk membantunya menyelesaikan kebingungannya, karena dia menggunakan teknologi seperti VR untuk membimbingnya melalui ingatan yang mungkin atau mungkin bukan miliknya. Pengungkapan akhirnya menyiapkan panggung untuk jenis baru krisis identitas, meditasi mendebarkan tentang kebapakan, dan penyelaman yang meresahkan ke dalam bayangan bawah sadar yang akan membuat Hitchcock bangga.

“Come to Daddy”

Come to Daddy

“Come to Daddy” dimulai dengan mengutip Shakespeare dan Beyonce dalam bingkai yang sama, dan itu hanya menjadi lebih loop dari sana. Tapi tidak peduli perubahannya yang aneh, debut liar dan tak terduga sutradara Kiwi Ant Timpson berhasil menghadirkan kisah reuni ayah-anak yang berdarah dengan tingkat kepercayaan yang mengejutkan pada sifat material yang aneh dan konyol – sebuah kisah sentimental tentang kematian dan penemuan kembali yang meledak ke dalam kekacauan yang hebat bahkan saat ia mempertahankan koneksi yang sungguh-sungguh ke teka-teki yang ada. Itu adalah permainan menjijikkan yang tidak masuk akal yang berubah menjadi pembuat air mata. Timpson, yang kredit produksinya termasuk “The Greasy Strangler” yang aneh di tengah malam, jelas memiliki pegangan pada bahan seramnya, tetapi bintang Elijah Wood membantunya memberikan hati.

Sebagai seorang paria yang bingung bernama Norval, aktor tersebut menampilkan salah satu karakternya yang paling menawan dalam ingatan baru-baru ini: seorang hipster bermata lebar dan berkumis yang mengaburkan rasa tidak amannya dengan gaya fashion tinggi dan kebohongan yang mewah. Ketika Norval muncul di rumah tepi pantai terpencil ayahnya yang terasing, dia menemukan orang yang sangat berbeda dari yang dia duga. Ketika tragedi melanda, “Come to Daddy” memasuki babak baru yang menyeramkan saat Norval menemukan dirinya sendirian di sebuah rumah yang penuh dengan misteri dan ancaman tidak menyenangkan yang tidak dapat sepenuhnya dia pahami. Sebagai metafora untuk perjalanan rollercoaster dari proses berduka, “Come to Daddy” dibangun dengan akhir yang mengejutkan baik yang pedih maupun yang mengganggu sekaligus.

“The Hunt”

The Hunt

Bahkan sebelum 2020 menjadi tahun paling traumatis di abad muda ini, wacana Amerika menuju bencana. Dengan negara yang terbagi atas hampir setiap masalah utama, pandangan ekstremis mendominasi siklus berita, dan teori konspirasi internet menentukan sistem kepercayaan. Semua keributan itu sering mengaburkan kebenaran yang sulit bahkan sudut pandang progresif yang bermaksud baik terkadang sedikit terbawa suasana. Itulah wahyu berdarah dari “The Hunt,” kisah anarkis sutradara Craig Zobel tentang maniak liberal yang menculik sayap kanan dan membunuh mereka untuk olahraga. Meskipun penulis bersama Nick Cuse dan Damon Lindelof pasti bersenang-senang mengejek kegilaan para korban redneck yang percaya setiap kata gila yang diberikan Fox News dan Alex Jones kepada mereka, penjahat utama film ini adalah sayap kiri gila yang dipimpin oleh seorang eksekutif yang dipermalukan ( Hilary Swank) yang naluri membunuhnya disebabkan oleh kebencian kepada pihak lain sehingga menghancurkannya.

Pendekatan masam film terhadap satir all-inclusive agak terlalu halus untuk dipahami oleh media sayap kanan, dan ketika berita film tersebut bocor lebih awal, reaksi yang membingungkan memuncak tidak kurang dari tweet Trump yang marah dan rencana rilis yang tertunda untuk menjauh. sendiri dari sepasang penembakan massal di Texas musim panas lalu, yang semuanya hanya berfungsi untuk meningkatkan inti dari sebuah film yang dirancang untuk menunjukkan bahaya yang sangat nyata dari mentalitas massa. Ironi dari “The Hunt” berasal dari pahlawan wanita cekatan Crystal (Betty Gilpin yang ganas) yang terjebak dalam baku tembak literal dari dunia gila di mana dia tidak pernah ingin memihak. Di akhir film, kami merasakan kepedihannya, dan sangat menakutkan untuk mempertimbangkan bagaimana negara bagian menginspirasi komedi horor dengan komentar sosial yang konyol dan akrab bagi semua orang.

“I’m Thinking of Ending Things”

“I’m Thinking of Ending Things” mungkin tidak dapat dengan mudah diklasifikasikan sebagai film horor (atau apa pun, dalam hal ini), tetapi dengan caranya sendiri yang rumit dan menjengkelkan, ini menjelaskan bagaimana segala sesuatu yang pernah ditulis Charlie Kaufman dan / atau diarahkan benar-benar basah kuyup dalam ketakutan eksistensial. Dari “Menjadi John Malkovich” hingga “Anomalisa,” karya Kaufman selalu berputar di sekitar ruang gema kesadaran manusia yang retak; karakternya ditentukan oleh upaya mereka (sering kali literal) untuk membebaskan diri dari cangkangnya sendiri dan menjembatani jurang pemisah yang mengisolasi kita semua ke dalam pulau. Cronenberg bukan dia, tapi Kaufman tetap ahli horor tubuh dalam dirinya sendiri.

Diceritakan dari perspektif yang tidak pasti tentang seorang wanita (Jessie Buckley) yang mantan pacarnya (Jesse Plemons) sedang mengantarnya melewati badai salju yang jahat untuk bertemu orang tuanya untuk pertama kalinya, “I’m Thinking of Ending Things ”Adalah salah satu perjalanan Kaufman yang aneh dan sangat lucu ke dalam celah di antara orang-orang, tapi yang satu ini bukan tentang seseorang yang mencoba untuk melewatinya – ini tentang celah itu sendiri. Pengalaman yang surealis, tidak menentu, dan bergerak aneh yang melingkari realisasi yang tidak dapat diungkapkan dengan kata-kata, Kaufman terbaru melacak batas tak terlihat di mana satu orang berakhir dan yang lain dimulai dengan harapan bahwa dia mungkin dapat menangkapnya di layar bahkan sesaat, seperti seseorang yang melakukan pemanggilan arwah untuk semua ruang kosong di antara kami. Gagasan bahwa kita semua ada di benak satu sama lain cukup menakutkan, tetapi Kaufman mengubah ide abstrak itu menjadi teror yang menusuk kulit dengan menyaringnya melalui lensa cerita hantu, lengkap dengan rumah berhantu, mayat binatang yang membusuk, dan bahkan seram. ruang bawah tanah yang penuh dengan rahasia lama. Anda tidak akan pernah melihat orang tua pacar Anda dengan cara yang sama lagi.

“The Invisible Man”

Kurang berinvestasi pada monster Universal klasik dari mana film tersebut mengambil namanya dan lebih baik disebut sebagai “Gaslighting: The Movie! The New One !, ”Film thriller Leigh Whannell yang disetel dengan baik adalah perumpamaan yang meresahkan tentang kekerasan dalam rumah tangga dan juga“ gotcha! ”Yang sangat bagus. film horor. Elisabeth Moss menampilkan penampilan hebat lainnya yang dapat diprediksi sebagai Cecilia, terjebak dalam hubungan dengan Adrian (Oliver Jackson-Cohen), yang telah lama mampu mengurungnya karena kekayaannya yang dalam. Upaya Cecilia untuk membebaskan diri – sangat “Tidur dengan Musuh,” dan begitulah perjalanan mendebarkan ini dimulai – cukup menakutkan, tetapi momen paling menyeramkan dalam film datang dari apa yang terjadi selanjutnya.

“La Llorona”

Hal pertama yang perlu Anda ketahui tentang “La Llorona” karya Jayro Bustamante adalah bahwa fantasmagoria yang tenang dan gemetar tentang hantu Perang Saudara Guatemala ini sebenarnya tidak ada hubungannya dengan “Kutukan La Llorona” karya Michael Chaves, lompatan licik- Mesin menakut-nakuti yang dirilis Warner Bros. pada tahun 2019. Selain berasal dari cerita rakyat Amerika Latin yang sama, kedua film ini memiliki kesamaan. Sama seperti “Tremors” (dan “Ixcanul” yang hebat dari Bustamante sebelumnya), “La Llorona” adalah séance lambat dari sebuah film yang gemetar dengan trauma spiritual. Kali ini, bagaimanapun, sisa rasa sakit datang untuk yang bersalah, dan yang bersalah tahu betul bahwa itu datang untuk mereka.

Salah satu pria yang bertanggung jawab atas genosida penduduk Maya asli Guatemala, Jenderal Enrique Monteverde (Julio Diaz) telah menghindari penjara karena alasan teknis, dan kembali ke rumah besar keluarganya saat menghadapi protes publik. Sementara itu, seorang wanita pribumi bernama Alma (María Mercedes Coroy) memulai pekerjaan barunya sebagai pembantu di perkebunan Monteverde; ketika staf lainnya melarikan diri setelah serangkaian kejadian hantu, Alma hanya membuat dirinya lebih betah. Perhitungan sudah dekat, dan kali ini kita mencari orang mati. Chiller rumah tangga Bustamante yang terkubur dengan kejam menggunakan kembali genre kiasan yang sudah dikenal dengan sejumlah cara yang menarik. Untuk semua patah hati pada intinya, “La Llorona” mungkin dianggap sebagai film horor perasaan nyaman yang langka: Bahkan ketika keadilan manusia gagal, monster seperti Monteverde harus selalu bertanggung jawab kepada otoritas yang lebih tinggi.

“The Lodge”

Severin Fiala dan Veronika Franz “The Lodge” mungkin tidak sesuai dengan keseraman yang menggelitik dari pelarian mereka “Selamat malam, Mommy,” tapi kisah musim dingin tentang seorang wanita (Riley Keough) yang bersalju di kabin terpencil dengan anak tunangannya adalah bukti meyakinkan bahwa duo pembuat film Austria adalah ahli horor atmosfer. Sepuluh menit pertama “The Lodge” – di mana Alicia Silverstone membuat kesan yang luar biasa sebagai ibu anak-anak yang disiksa – adalah masterclass yang tak terlupakan dalam cara membuang rasa takut yang mendalam ke dalam kehidupan sehari-hari, dan lainnya film ini akan menjadi yang terbaik setiap kali ia membiarkan kegelisahan dari suasana yang berbicara.

Plotnya menjadi agak konyol seiring berjalannya waktu (dan putaran besar benar-benar mengerang), tetapi ketegangan yang dapat diambil oleh Fiala dan Franz dari rumah itu di tundra lebih dari cukup untuk mengimbangi di malam hari. Kadang-kadang menonton film horor yang dibuat dengan baik bisa menjadi pengalaman yang menyentuh hati Anda sehingga hampir tidak masalah jika tidak bisa bertahan di belakang.

“Possessor”

“Possessor” adalah film thriller teknologi yang memuakkan dan menarik yang menemukan Andrea Riseborough dan Christopher Abbott terlibat dalam perang psikis yang sangat berdarah atas kendali tubuh yang terakhir di masa depan di mana pembunuh dapat membajak target mereka à la “Ghost in the Shell.” Yang terpenting, fitur kedua Brandon Cronenberg sejauh ini menawarkan horor tubuh paling gonzo sepanjang tahun (putra David Cronenberg mempertahankan merek keluarga yang kuat). “Possessor” adalah yang terbaik saat mengupas jiwa dari tubuhnya, dan Cronenberg bersenang-senang memvisualisasikan dua hantu yang bersaing untuk menguasai hanya satu cangkang.

Review Film Polar Netflix

Polar Netflix

Netflix melayani slog pembalasan ultra-kekerasan “Polar” pada minggu yang sama dengan skor nominasi “Roma” pemenang Oscar adalah seperti diingatkan bahwa bahkan mal favorit Anda kemungkinan akan menawarkan toko butik dan toilet yang tidak bersih.

Seolah-olah diadaptasi dari novel grafis, tetapi terutama merasa seperti sesuatu mengalir dari kaleng berkarat, “Polar” dibintangi oleh seorang Mads Mikkelsen berkumis sebagai seorang pemabuk grizzled menggantung senjatanya tetapi menarik ke dalam – mari kita katakan bersama sekarang – satu pekerjaan terakhir. Jika hanya film-film pembunuh sebagai genre ditutup toko dengan hanya satu lagi yang tersisa, dalam hal ini, saya akan mengambil yang ketiga “John Wick” dan berpura-pura “Polar” – kekejaman mengerikan seperti kasus perut kembung beracun – tidak pernah terjadi.

Saya merasa tidak enak bahkan menyebut-nyebut film “John Wick” yang sangat indah dan menyenangkan dalam penilaian “Polar,” tetapi eksistensi yang terakhir ini tidak berbeda dengan mengakui kenyataan bahwa video ketangkasan seorang pemain skateboard yang hebat akan selalu menayangkan cuplikan dari penyeka yang lebih rendah. di luar. Hanya “Polar” – disutradarai oleh Jonas Åkerlund seolah-olah takeaway dari “John Wick” tidak koreografi yang terampil tetapi puing-puing yang tidak ada artinya – tidak mengilhami simpati untuk upaya tersebut.

Yang paling sedikit dari kejahatannya adalah menodai Earth Wind & Fire’s “September” dalam percikan pembukaan yang sia-sia mencoba untuk membangun fasad yang berdarah / cabul dengan serangan taktis skuad pembunuh di kompleks Chili yang megah, tempat pembunuh bayaran yang akan segera pensiun Michael (Johnny Knoxville) menjalaninya di tepi kolam renang dengan pendamping berpakaian yang memekik dan minim (Ruby O. Fee). Satu-satunya aspek yang menarik untuk urutan yang tidak menyenangkan ini, yang pertama dari banyak, adalah bahwa setidaknya peran Knoxville adalah cameo.

Pekerjaan itu, ternyata, atas perintah regu bersama dan majikan korban bersama, sebuah organisasi bernama Damocles, dan Weeble yang kejam, kecanduan lotion tangan seorang CEO, Mr. Blut (Matt, yang tidak lucu), yang membutuhkan para pembunuhnya untuk pensiun pada usia 50 tetapi lebih baik membunuh mereka terlebih dahulu, tepat sebelum ulang tahun itu, dan menjaga pembayaran pensiun yang lumayan.

Tentu, ini tidak bekerja pada karyawan bintang pakaian, pembunuh kontrak luar biasa Duncan (Mikkelsen), dua minggu dari cek selamat tinggal $ 8 juta, bijaksana untuk skema pengkhianatan bosnya, dan percaya bahwa dia aman bersembunyi di alam liar bersalju dari pedesaan Montana.

Sementara Duncan dengan baik hati mendatangi tetangga kabin yang kesepian (Vanessa Hudgens) dengan masa lalu yang tragis – sisi “sensitif” film, karena Hudgens kebanyakan menampilkan mata yang berlinang air mata – tim pembantaian gila Mr. Blut memburu keberadaan Duncan sehingga Åkerlund dapat mengubah keadaan tidak nyaman. dan sadisme ke dalam lucuan berwarna pop. Apakah kita seharusnya tertawa ketika kru mengalami kesulitan mencekik lelaki gemuk yang tidak sehat yang mereka tembak ribuan putaran ke perutnya?

Akhirnya, setelah Duncan ditemukan, plot balas dendam menendang ke gigi tinggi, mengarah ke urutan penyiksaan yang diharapkan dan salah satu tantangan yang semakin umum di mana Mikkelsen menangkis lusinan tentara berpakaian hitam dengan akurasi tembakan kepala, era hujan rintik-rintik CGI kami versi perkelahian puding custard dahulu kala. (Menguap.)

Adapun keterlibatan bintang Denmark itu, kehadirannya yang tunggal – sebuah machismo serius yang menyatukan grit Robert Shaw dan ancaman Lee Van Cleef – sangat menghibur, tetapi merupakan satu-satunya alasan dia mendaftar untuk bermain seperti ini karena dia tahu dia akan keluar dengan layarnya. magnetisme utuh?

Miskin Katheryn Winnick, di sisi lain, sebagai pembunuh bayaran Mr Blut, hampir tidak dapat menemukan gravitasi fatale-ish dalam dialog penulis naskah Jayson Rothwell yang tidak masuk akal untuk membenarkan kecenderungan Åkerlund untuk menembaknya dalam foto close-up noir-ish yang menonjolkan bibir merahnya. , cat kuku lebih merah dan fitur glamor.

“Polar” tidak hanya memiliki “John Wick” di pikirannya. Pembantaian bergaya jokey yang penuh gaya juga jelas merupakan permainan Åkerlund untuk bergabung dengan klub bengkok, tawa-sambil-Anda-yang sama yang sering dikunjungi oleh Matthew Vaughn (“Kick Ass,” “Kingsman”), James Gunn (“Super”) dan David Ayers (“Suicide Squad”). Sayang sekali satu-satunya sensasi yang Anda dapatkan dari pertumpahan darah adalah bahwa Anda tahu setiap kematian kartun membawa Anda jauh lebih dekat ke kredit akhir.

Review Avengers : Endgame (2019)

Review Avengers : Endgame (2019)

“Avengers: Endgame” adalah puncak dari dekade blockbuster besar, hasil dari bertahun-tahun kerja oleh ribuan orang. Film ini dirancang untuk menjadi semua keberhasilan besar dari blockbuster dengan selusin petak kecil bertabrakan, dan wajah-wajah yang akrab dengan lebih dari 20 film. Aku tidak terlalu suka produk di Hollywood sebelumnya, tidak hanya untuk mengenali atau mengeksploitasi penggemar seri ini, tapi untuk menghargai cinta, kesabaran dan adorasi abadi. Terus terang, Anda mungkin ingin tahu lebih banyak: Sulit untuk menonton penggemar serius MCU jauh dari kekecewaan ini. Dia memeriksa semua kotak, dan bahkan memeriksa beberapa kotak yang tidak ada dalam daftar penggemar. Ini adalah akhir yang memuaskan untuk sebuah bab dalam cerita blockbuster yang akan sulit untuk mencapai untuk tontonan murni. Dalam hal nilai hiburan murni, film ini adalah pada ujung atas UCM, sebuah film yang mengumpulkan status legendaris yang paling ikonik mereka layak pahlawan dan memberinya cara yang sah.

Avengers Endgame

Jangan khawatir: Aku masih sayap sangat bebas. Perasaan utama dari film ini adalah sebuah cerita tentang bagaimana evolusi kompleks dan bisa pergi ke tempat lain jika Anda ingin menghancurkan. “Avengers: Infinity War” Thanos selesai pada akhirnya mengecewakan mendapatkan enam Infinity Stones saya cari, kemudian menggunakannya untuk menghapus setengah dari keberadaan, termasuk pahlawan tercinta, sebagai Black Panther, bintang-bintang Allah; Manusia laba-laba. “Avengers: Endgame” membutuhkan waktu beberapa minggu setelah “snap” ketika mencoba pahlawan untuk menempatkan potongan dan mencari tahu apakah ada cara untuk membalikkan kerusakan Thanos.

Dia segera bagian dari “Endgame” lebih terkonsentrasi dari “perang tak berujung” dengan memiliki pemain ketat dan lebih kecil. (Terima kasih, Thanos.) Film ini lebih fokus dan sabar, bahkan jika plot adalah elemen yang menarik dari selusin film lainnya. Sementara “tak terbatas” sering merasa kembung, “Endgame” memungkinkan beberapa karakter dalam simbol keberuntungan dalam sejarah UCM, begitu heroik. Ini bukan hanya pion dalam sebuah plot yang dipimpin oleh Thanos, Iron Man, Captain America, Black Widow, Hulk dan Thor untuk membebaskan diri dari kerumunan, cakap dibantu oleh Hawkeye dan Ant-Man. Dalam arti, mereka adalah Avengers baru, dan banyak superhero ketat pesona ingat film “The Avengers,” Joss Whedon pertama di mana kepribadian yang kuat membiarkan bouncing satu sama lain, bukan hanya karena mereka merasa terkait. seperti roller coaster dalam arah yang sama. Hal ini juga memungkinkan ruang untuk beberapa pemain terbaik di waralaba, terutama Chris Evans dan Robert Downey Jr., yang berpikir orang menonton berubah Captain America dan Iron Man di sesuatu yang lebih dari generasi hidup. Aspek yang paling memuaskan dari “Endgame” adalah bagaimana MCU pahlawan penawaran paling populer busur cerita bahwa mereka layak bukannya tenggelam dalam karakter akting cemerlang laut lebih lemah dari film lainnya. Untuk kanonisasi itu, menjadi sebuah ode untuk film semesta Marvel.

Apa skenario berhasil Stephen McFeely dan Christopher Markus bagi Anda adalah bahwa “Endgame” merasa, untuk pertama kalinya, perasaan melihat ke belakang daripada mencoba untuk mengatur meja untuk sesuatu yang akan datang. Ini menggabungkan unsur-unsur dari penggemar film yang dikenal dan dicintai MCU, mengingat sifat tiba-tiba, asal dan plot dari film-film seperti “Iron Man,” “Galaxy Pengawal” dan “Captain America:. The First Avenger” Memanggil layanan penggemar, tapi salah satu masalah terbesar saya dengan film ini, terutama “perang tak berujung” adalah perasaan bahwa mereka tidak lebih dari iklan tidak dibuat. “Endgame” tidak. Tentu saja, MCU akan terus berlanjut, namun film ini memiliki tujuan dan kedalaman yang diberikan kepadanya oleh sejarah MCU yang tidak dimiliki oleh orang lain. Seperti yang diterima oleh tim review film depoxito.xyz

Tentu saja, ia harus melayani film juga. setengah jam menyenangkan MCU seperti biasa, tapi ada kalanya aku berharap aku bisa merasakan sentuhan manusia di bawah permukaan “Avengers:. Endgame “Dalam satu jam pertama kalinya, merindukan salah satu dari mereka menjadi istirahat serius hamil situasi untuk mendapatkan sesuatu yang terasa keputusan spontan atau tindakan yang tidak merasa seperti fungsi komite. Semua aspek “Endgame” telah diprediksi selama bertahun-tahun oleh ratusan film lain dengan hati-hati dan menempatkan orang-orang yang diperlukan untuk membuat sebuah film seperti ini. Hasilnya adalah sebuah film yang sering merasa lebih seperti produk dari sebuah karya seni. Roger Ebert pernah terkenal menulis bahwa “video game tidak pernah bisa seni”, tetapi terkejut melihat seni menjadi lebih seperti video game, yang diprogram dan ditentukan, semua pemirsa pertanyaan benar-benar.

Namun, orang tidak berbaris saat fajar untuk “Avengers: Endgame” untuk ditanyai. Bahkan, itu adalah komitmen, fandom, dan harapan kepuasan. Apa pun kesalahannya, “Endgame” adalah segalanya, dan dengan kekaguman yang tulus untuk para fans yang telah membuat dunia menjadi fenomena budaya yang benar. Taruhannya tinggi dan kesimpulan benar-benar resonansi. Ini adalah acara budaya epik, jenis yang melampaui kritikus film tradisional dalam pengalaman dengan penggemar di seluruh dunia. Pertanyaan besar saya adalah bagaimana mereka dapat meningkatkan di dekade ini.

Review Film The Irishman (2019)

Review Film The Irishman (2019)

Robert De Niro yang sudah berumur memimpin potret epik Martin Scorsese tentang pria yang menembak Jimmy Hoffa, cari selengkapnya tentang film ini di link berikut.

Ada rasa nostalgia dan pelepasan The Irishman, film kriminal terorganisir pertama dan mungkin yang dibuat oleh Martin Scorsese untuk dibintangi tidak hanya oleh kolega lama Robert De Niro , Joe Pesci dan Harvey Keitel tetapi juga ikon genre Al Pacino , yang sebelumnya tidak pernah diarahkan Scorsese.

(Wajah-wajah goodfellas yang lama, terutama wajah De Niro, secara mahal ditiadakan oleh teknologi pengenal wajah untuk adegan-adegan di mana karakter mereka lebih muda.)

Jika ini adalah selamat tinggal, maka Scorsese memiliki sedikit kesenangan intertekstual dengannya.

Sebagai pembunuh bayaran dan kurir serikat pekerja Mob dan Teamsters eponymous Frank Sheeran (seorang tokoh kehidupan nyata, yang meninggal pada tahun 2003 dalam usia 83), De Niro dapat menghancurkan armada taksi kuning kotak-kotak seperti yang ia kendarai dengan Sopir Taksi.

Sesaat sebelum Sheeran menembak mafia Gila Joe Gallo di luar Rumah Clam Umberto di Little Italy pada tahun 1972, Gallo merayakan hari ulang tahunnya di klub Copacabana, lokasi Raging Bull dan lokasi bidikan Steadicam tenun Goodfellas (bidikan Scorsese paling terkenal dari semua), di mana komik Don Rickles ( Jim Norton ) sedang tampil.

Seandainya Rickles menerima undangan Gallo ke Umberto malam itu, dia mungkin tidak akan pernah hidup untuk diarahkan oleh ScorseseKasino pada tahun 1995.

Bukanlah cerita Scorsese dan Mafia yang menjadikan The Irishman sebuah requiem, tetapi bagaimana ia berubah dari sebuah drama komedi yang meluap-luap tentang keterlibatan orang luar tiga-tahun Sheeran dengan La Cosa Nostra menjadi sebuah refleksi sedih tentang persahabatan, pengkhianatan dan orang-orang bersalah yang tidak bersalah dibawa ke kuburan mereka.

Tidak peduli dengan hukum dan ketertiban (kehidupan massa, dengan kode tugas dan kesetiaannya, adalah metafora sosial untuk Scorsese, karena itu adalah masalah dinamika keluarga untuk Francis Ford Coppola dalam film The Godfather ), film ini adalah drama moral yang memaksa Sheeran untuk menghadapi konflik kepentingan yang tak terselesaikan.

Ini beresonansi lebih dari penulis skenario Steven ZaillianKetaatan pada pernyataan Sheeran yang ambigu – yang dibuat untuk Charles Brandt, penulis I Heard You Paint Houses, sumber film – bahwa ia membunuh mantan bos Teamsters yang kuat, Jimmy Hoffa (Pacino) pada 30 Juli 1975.

Di usia pertengahan tiga puluhan, Sheeran dibimbing oleh bos Mafia Pennsylvania Timur Laut Russell Bufalino (Pesci), yang merekomendasikan dia ke Hoffa sebagai penegak dan pemikir.

Hoffa menempatkan tingkat kepercayaan yang menyentuh di Sheeran. Ketika mereka berbagi kamar hotel, Hoffa mengenakan piyama di hadapan Sheeran berpakaian lengkap, dan meninggalkan pintu geser kamar tidurnya terbuka, gerakan keyakinan seorang pria yang ditargetkan dalam perlindungan pengawalnya.

Dua puluh delapan tahun setelah dia membunuh Hoffa, Sheeran membiarkan pintu kamar perawatannya terbuka pada malam terakhirnya hidup-hidup.

Gema itu tidak terbaca: apakah ini kebiasaan seorang lelaki tua, seorang penyintas yang percaya pada dewa pelindung, atau keinginannya akan kematian? Meskipun Sheeran yang sakit tidak akan mengaku mengunjungi pria FBI bahwa dia membunuh Hoffa – bahkan demi anak-anak Hoffa – atau menyatakan penyesalannya kepada seorang imam, dia jelas dihantui oleh episode tersebut, dan terutama dengan menelepon janda Hoffa, Jo ( Welker) White ) untuk memberitahunya bahwa suaminya akan segera muncul.

Pertempuran epik film ini terjadi bukan antara Hoffa dan mafia yang dia ancam untuk mengekspos secara anumerta jika mereka memukulnya, tetapi antara Sheeran dan hati nuraninya, dituduh karena dia oleh orang yang paling dia hormati dengan pembunuhan seperti Kain pada pria yang dia kagumi. hampir sama banyaknya.

Sheeran gleans pada jamuan makan malam Teamsters-nya, di mana Hoffa membuat pidato utama dan memberinya arloji emas bertatahkan berlian, bahwa Hoffa menandatangani surat kematiannya sendiri dengan berusaha mendapatkan kembali kepresidenan Teamsters dan memotong massa.

Tetapi ketika Sheeran mengetahui bahwa ia harus membunuhnya, ia dibutakan oleh pemeran sebagai Brutus.

Di sana terjadi berurutan panjang – menggambarkan dua penerbangan dan empat perjalanan mobil yang diperlukan Sheeran untuk melakukan perjalanan ke dan dari rumah tempat ia menembak Hoffa dua kali di belakang kepala – yang memunculkan beberapa akting buram yang paling cemerlang.

dalam karir De Niro. Pedesaan Michigan di bawah pesawat penumpang tunggal yang membawa Sheeran ke Detroit dan pinggiran kota kelas menengah tidak berwarna yang ia lewati ditembak dengan blandness yang mengerikan oleh sinematografer Scorsese, Rodrigo Prieto (The Wolf of Wall Street, Silence).

The Irishman menampilkan bravura dolly dan bidikan perjalanan dan penggunaan intertitles dengan humor menggambarkan bagaimana berbagai mafia memenuhi tujuan mereka.

Tapi itu kurang bergaya daripada kebanyakan film Scorsese, dan skor Robbie Robertson tenang, beberapa lagu pop periode samping.

Penguasaan di sini dalam orkestrasi Scorsese dan editor Thelma Schoonmaker tentang penyusutan mafia, kemunculan Hoffa atas pangkat dan arsip (dalam adegan yang dipenuhi dengan fisiologi harian yang layak bagi Elia Kazan ) dan pembicaraan intim antara Sheeran, Bufalino, dan Hoffa, dengan Pesci yang sunyi.

dan penampilan yang halus, sesuatu yang indah, menyeimbangkan kepicikan Pacino tapi menawan.

Perjalanan Sheeran sangat dikontekstualisasikan oleh perombakan politik era itu: pemilihan John F. Kennedy, kegagalan Teluk Babi, krisis rudal Kuba, perburuan Hoffa oleh Robert Kennedy, pembunuhan JFK (yang menerangi mata Hoffa – momen terbaik Pacino) dan Watergate.

Sulit dipercaya bahwa Sheeran menyerahkan senjata ke Howard Hunt CIA di Florida dan berbicara tentang telinga Hunt, atau memainkan peran dalam bencana tahun 1963 yang diberi kode ‘Dallas’, tetapi Scorsese tahu bahwa ‘mencetak legenda’ menceritakan kebenarannya sendiri.

Lihat juga postingan kami sebelumnya tentang REVIEW SEPUTAR FILM EXTRACTION.

Review Seputar Film Extraction

Review Seputar Film ExtractionTindakan. Itu ada di sana di judul film.

Versi penyelamat putih “Man on Fire,” di mana tentara bayaran kasar (Chris Hemsworth) disewa untuk menyelamatkan anak kaya yang diculik dari raja narkoba berkulit gelap, “Extraction” bukan film paling cerdas yang akan Anda lihat selama penguncian, tapi itu mungkin menjadi yang paling kinetik – dengan asumsi Anda memiliki Netflix, karena itu adalah tentpole besar layanan musim ini, sedikit gangguan tertiup-uppy gangguan yang sama menghiburnya dengan penawaran piroteknik setara dari teater. studio film mungkin.

“Ekstraksi” menandai debut penyutradaraan fitur “Avengers: Endgame” direktur unit kedua Sam Hargrave, yang dipilih sendiri oleh produser Joe dan Anthony Russo untuk memimpin proyek, berdasarkan ide mereka, skrip yang tidak diproduksi yang sebelumnya mereka adaptasikan ke dalam grafik bentuk -tingkat sebagai “Ciudad.” Itu adalah nama Russo Brothers ‘yang muncul di atas judul pada poster (tidak banyak orang melihat itu pada saat ini) dan, tentu saja, kemiripan bintang “Thor” yang dapat terlihat berjongkok / berdoa / tidur di kunci seni .

Sekarang, saya tahu saya minoritas di sini, tapi saya benci “Avengers: Endgame.” Secara khusus, akhir dari “Avengers: Endgame.” Dua tahun kemudian, pandemi coronavirus membuatnya terasa seperti kita hidup dalam selang waktu antara “the Snap” – cliffhanger dua bagian yang terkenal, yang memusnahkan separuh dari seluruh kehidupan di alam semesta – dan angsuran berikutnya, mengetahui bahwa ini adalah waktu, beberapa trik perjalanan waktu tidak bisa menyelamatkan kita. Alih-alih, hampir setahun setelah “Endgame,” sangat mengejutkan untuk berpikir bahwa film baru terbesar yang dirilis adalah yang ini, usaha yang jauh lebih ramping dari tim kreatif yang sama.

Sebenarnya, Hargrave juga membuat koreografi adegan pertarungan pada “Atomic Blonde” karya David Leitch – sebuah karya lain dari seorang akrobat yang menjadi sutradara – dan aman untuk berasumsi di situlah ia mendapatkan ide untuk set-piece besar “Extraction”: spektakuler 11½ menit yang spektakuler adegan aksi single-shot yang tampaknya menjadi raison d’etre seluruh film.

Dalam “Atomic Blonde,” Charlize Theron berjuang naik turun tangga, menghancurkan apartemen Berlin yang kotor sebelum meledak keluar ke jalan dan melaju di dalam mobil, semuanya dengan hati-hati dirancang untuk terlihat seperti urutan rencana tunggal, tanpa gangguan . Di sini, Hargrave dan Hemsworth mencoba meningkatkan pencapaian itu. Mereka tidak bisa, tetapi usahanya tidak dapat disangkal mengesankan semua sama, karena kamera melakukan trik yang tampaknya mustahil karena melacak pengejaran berkecepatan tinggi melalui Dhaka, di mana seorang pemberani bernama Tyler Rake (Hemsworth) melakukan sesuatu yang tampak seperti misi bunuh diri.

Salah satu penyendiri misterius Rake yang sering kita temui dalam film-film semacam itu, kisahnya berkurang menjadi sekilas sekilas tentang seorang putra yang sudah mati. Tetap saja, tersiksa dan tampan adalah sebanyak genre yang sering memberi kita. Jika ada, itu mengejutkan melihat sedikit lebih banyak waktu yang dihabiskan untuk kehidupan pribadi berbagai karakter stok yang ditemui Rake. Ini adalah salah satu film di mana Hemsworth menonjol sebagai satu-satunya orang kulit putih untuk jam pertama film, di mana titik David Harbor muncul untuk beberapa adegan. Hargrave memungkinkan bintangnya untuk menggunakan aksen Australia-nya dan tidak mewajibkan orang-orang kulit berwarna untuk berbicara bahasa Inggris, bahkan jika mereka tidak selalu memainkan kebangsaan mereka sendiri.

“Anda berharap jika Anda memutar cukup banyak ruang, Anda akan terkena peluru,” menawarkan pawang nya (Golshifteh Farahani) dengan cara analisis sejak awal. Tidak terlalu wawasan, mengingat kita baru saja melihat Rake (a) mengambil apa yang tampak seperti peluru mematikan dalam flash-forward berdarah dan (b) melompat dari tebing begitu tinggi bahkan Thor akan berpikir dua kali untuk mengambil risiko. Aktor Iran Farahani adalah salah satu aktor sinema dunia yang paling mencolok, dan di sini, ia tidak ada hubungannya selama dua jam selain menyampaikan paparan, seperti baris ini untuk menggambarkan politik penugasan: “Penguasa narkoba terbesar di India versus terbesar raja obat bius di Bangladesh. ” Namun, dia menemukan jalannya ke lapangan sebelum pertunjukan usai, menembakkan dua gambar paling penting dari film, dan menurunkan helikopter melalui peluncur roket untuk mengukur dengan baik.

Adapun Rake, yah, dia hanya sebuah lokomotif yang tidak ada ruginya lagi, menerobos situasi yang sangat tidak cocok dalam mode berserker. Lawan-lawannya mungkin lebih banyak daripada dia, tetapi dia terbukti cukup kreatif dalam menggunakan mereka melawan satu sama lain. Rake dapat mengambil lengan gangster, memelintirnya ke arah yang tidak dimaksudkan untuk menekuk dan menembakkan senjatanya ke tengkorak seorang penyerang yang akan datang. Atau, dia mungkin mengambil seorang prajurit dan memutar tubuhnya dengan sangat cepat sehingga mematahkan leher orang lain.

Seharusnya tidak mengejutkan bahwa Hargrave, yang merupakan spesialis pertarungan, memiliki beberapa gerakan mencolok di lengan bajunya. Bekerja sama dengan sinematografer Newton Thomas Sigel (“Drive” DP, yang telah datang jauh sejak “Latino,” sebuah film yang sangat mirip dengan novel grafis “Ciudad”), Hargrave memblokir dan menembak perselisihan sedemikian rupa sehingga penonton dapat cepat baca apa yang terjadi. Rake berkelahi kotor, tetapi cakupannya bersih, menekankan betapa improvisasi efisien dia saat ini.

Film ExtractionMisinya adalah menemukan, membebaskan, dan mengembalikan Ovi Mahajan (Rudhraksh Jaiswal) yang masih hidup, putra penguasa obat bius India yang disebutkan di atas, dari ibukota Bangladesh, Dhaka, tempat ia ditahan untuk tebusan oleh Amir Asif (Priyanshu Painyuli), seorang lelaki yang begitu kuat ia memiliki militer lokal yang dapat digunakannya. Itu akan cukup sulit jika orang yang mempekerjakannya (Pankaj Tripathi) tidak memerintahkan kepala keamanannya sendiri, Saju (Randeep Hooda), untuk masuk dan mencuri Ovi dari penyelamatnya saat dia dibebaskan. Di situlah Hargrave memilih untuk pamer, memulai set-shot single-shot yang dimaksudkan untuk meningkatkan taruhan pada teknik khusus ini.

Perlu dicatat bahwa Kathryn Bigelow adalah salah satu pelopor awal aksi-adegan-sebagai-menggila seperempat abad yang lalu dengan “Strange Days,” bahkan jika itu sejak menjadi obsesi sutradara pria jenis tertentu, mencari baik untuk Oscar (seperti Cuarón, Iñárritu dan Mendes) atau kekaguman dari para bioskop dan profesional film sesama (seperti dalam “Atomic Blonde” dan “John Wick 3”). Selain menarik perhatian pada dirinya sendiri, tidak sepenuhnya jelas mengapa pendekatan ini – yang mencerminkan gaya permainan first-person-shooter – telah menjadi sangat populer. Jika ada, itu pasti akan membuat film dari periode ini terlihat bertanggal saat tren berakhir.

Skrip Joe Russo terstruktur seperti permainan juga, melayani “bos level” yang mengintimidasi – seorang hood jalanan remaja dengan pembalasan dendam, seorang jenderal korup yang kebetulan adalah penembak jitu terbaik di negara itu – yang harus dikalahkan setiap kali oleh Rake sebelum maju pencariannya, tiba-tiba diperumit oleh fakta bahwa Asif telah memobilisasi militer untuk menutup kota (jembatan dan jalan-jalan Thailand ganda untuk Dhaka) dan mengeluarkan Rake dan pasukannya.

Novel grafis asli Russos, “Ciudad,” mengambil tempat di benua yang berbeda sepenuhnya, dan fakta bahwa mereka dapat memindahkannya dari Amerika Selatan ke Asia Selatan menunjukkan betapa sedikit perhatian yang mereka berikan untuk mempelajari kedua tempat itu. Ini adalah tindakan yang paling berarti bagi mereka, jadi periksalah otak Anda. Tetapi jika satu-satunya latihan yang Anda lakukan adalah dari sofa ke dapur akhir-akhir ini, Anda mungkin sedikit berkejaran, dan itu bukan sesuatu yang buruk